Exposition collective, "A fleur de peau", MOCO Panacée, Montpellier, 2026

 

Exposition collective A fleur de peau

Avec Albrecht Becker, Kévin Blinderman, Julien Ceccaldi, Sue Coe, Julian Farade, Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė, Penny Goring, Tirdad Hashemi, Richard Hawkins, Augustin Katz, Keunmin Lee, Tala Madani, Stéphane Mandelbaum, Mónica Mays, Brilant Milazimi, Nuria Mokhtar, Arthur Monteillet, Moor Mother avec Glenn Espinosa & Cauleen Smith, Ulrike Ottinger, Lili Reynaud Dewar, James Richards & Steve Reinke, Sibylle Ruppert, Ebun Sodipo, Ceija Stojka, Michelle Uckotter, Jenkin van Zyl, Issy Wood.

MOCO Panacée Montpellier

Du 13 juin au 11 octobre 2026

 

 

Issy Wood, Study for what I deserve, huile sur lin, 2021. (c) Issy Wood

               

 

                                       Monstres au fond du placard

 

 

  L’époque s’enténèbre de jour en jour sur fond de monstruosités. Pourtant, l’art, depuis toujours en joue. Le monstre, c’est toujours l’autre, au minimum. La figure de l’archange rayonne, mais aussi celle de l’ange exterminateur, L’Ange du Foyer de Max Ernst, par exemple. Cette exposition pose des questions sur la transgression et ses formes extravagantes. Les références ne servent pas de carapace. Reste le plaisir.

 

  Des artistes disparus jalonnent cette monstration. Des dessins oniriques et violents de Stéphane Mandelbaum (1961-1986), artiste belge assassiné bien jeune par des malfrats, porteur de tous les possibles dont il ne demeure plus que la nostalgie farouche (personnellement découvert au Festival du dessin d’Arles il y a deux ans). Sibylle Ruppert (1942-2011), ses dessins au fusain et ses gravures de grand format, de type fantastique, mélangent corps réels et corps littéraires en une féroce sarabande. Ceija Stojka (1933-2013), Rom, qui, des années après sa déportation, à l’âge de dix ans, par les nazis, dans le cadre de la liquidation des Tziganes, avait repris son histoire en main au travers de dessins, peintures et entretiens qui demeurent toujours passionnants mais souvent très éprouvants.

 

  Ne négligeons pas les actuels avec Lili Reynaud Dewar et ses représentations d’elle à différents stades de son existence. La « femme araignée » en aluminium, présente dans la fontaine du jardin de la Panacée, offre un spectacle inoubliable. Julien Ceccaldi parsème l’exposition de mannequins en plastique fondu, habillés, dans des postures de la vie quotidienne et comme abandonnés après usage. Julian Farade propose des formes molles, avachies, en velours et mousse, Velvet Knight (2022) qui semblent agoniser dans les couloirs, symboles de luttes diverses. Formidables volumes de Monica Mays qui use de résidus de tous ordres, parfois un ancien pot d’échappement, optant pour une sorte de liquéfaction générale des objets originaux, enrobés de tissu et de cire d’abeille. Le sacré et le profane se dévisagent pour questionner les sentiments humains. Le dispositif d’Arthur Monteillet, avec ses nombreuses chaînes pendues, pourrait faire songer à quelque dispositif sadien. En fait, il met en scène un monde animal, minéral, chevaleresque, somme toute monstrueux, mais sans oublier une dimension humoristique.

 

  Une installation d’Augustin Katz mêle peinture, volume et son. Ainsi Prima Scena (2026) représente une sorte d’usine miniature, noire, fixée sur un fût ou un tambour. Sur le mur d’en face, des rangées de spectateurs, dans un théâtre, semblent regarder cette réalisation. Si le diptyque pictural pourrait faire penser à Hopper, l’ensemble traduit une oppressante angoisse.

 

  Peintures et dessins décapants avec Tirdad Hasheli qui interrogent la violence du monde et l’intolérance du régime iranien pour les minorités sexuelles. Les Butchered bodies proposent une vente littérale de morceaux de corps humain à des boucheries dans un style post-expressionniste, teinté d’un humour noir redoutable. Brilant Milazimi, Kosovar, réalise des toiles où les personnages mènent des combats ou des dialogues musclés sur fond de zones dévastées, Should I tell you something ? (2023). Les dentitions hors d’échelle, Metal/diary (2022) d’Issy Wood font réellement grincer des dents. Richard Hawkins tient le haut de l’affiche, au sens propre, avec une image de sa vidéo digitale, The Böcklin and Berdella Sequence (2024), pour le flyer de la Panacée. Il utilise une sorte de collage numérique où se bousculent des représentations masculines en devenir au travers de maîtres anciens, une sorte de monstruosité très cultivée.

 

Jenkin Van Zyl, Sweat Exchange, video, 2024. Courtesy de l'artiste

  Une vidéo de grande qualité, Spit and Image I (2025) de Dorota Gaweda et Eglé Kulbohaioté qui interrogent un futur vacillant bardé de nouvelles technologies. Un ingénieux dispositif de verre permet de songer à ce qui se déroulerait de l’autre côté, la face obscure, en quelque sorte. Mention spéciale pour Jenkin Van Zyl et son dispositif autour d’un sauna où il se présente dans une vidéo se déroulant dans un sauna, Sweat Exchange (2024) , affublé d’une tenue rose, entre panthère d’un cartoon célèbre, et drag-queen de science-fiction, d’un masque redoutable, branché à des fils multiples. L’artiste se trouvait présent ce jour-là, costumé, apportant une mise en abyme supplémentaire à une fiction devenant réalité.

 

  Enfin, saluons le travail d’Anya Harrison, montreuse de « monstres », ou du moins de leurs « monstrueuses qualités », en ce show déjanté.

 

 

 

                                                                                                                          Christian Skimao

 

 

 

Exposition Kiki Smith, MOCO Montpellier, 2026

 

Exposition Kiki Smith

Être ici/Maintenant/ Partout

MOCO Montpellier

Du 13 juin au 11 octobre 2026

 

Kiki Smith, Divination-Faith, 2019. Bronze, Courtesy Galleria Lorcan O'Neill et Timothy Taylor.
(c) Kiki Smith

 

 

                                                     Ubiquités

                              

 

   Kiki Smith, importante artiste américaine née en 1954 en Allemagne. Elle travaille sur le corps humain, le plus souvent féminin, mais pas seulement. Elle interroge également les périphéries de celui-ci et son rapport à l’animalité, au travers de multiples compositions et propositions, usant de matériaux divers, entre puissance et fragilité.

 

 Kiki Smith, tapissière des esprits, réalise douze œuvres de type jacquard, avec Magnolia Editions à Oakland. Composées à partir d’un collage de fragments de dessins, elles reprennent les éléments fondamentaux du monde : l’air, le feu, l’eau et la terre, dont Earth (2012) ainsi que la symbiose existant entre humanité et animalité. Leur style, à la fois folklorique, faussement naïf et enraciné dans l’histoire des arts, se réfère à la grandiose Tapisserie de l’Apocalypse (1373-1382) mais aussi au Chant du monde (1957-1966) du grand Jean Lurçat, les deux se trouvant à Angers. N’oublions pas Seven Seas (2017-2023), œuvre de très grande taille, plus récente, réalisée par la Manufacture des Gobelins. Elle reprend certains codes de l’Apocalypse précitée, en se focalisant sur un rocher veiné de couleurs violentes, accompagné de sombres vagues se mélangeant à d’inquiétants nuages.

 

  Kiki Smith, magicienne, signe douze lithographies nommées Banshee Pearls (1991). La Banshee, dans la culture gaélique, est une messagère de l’au-delà qui pousse des gémissements annonciateurs de mort. Faisant référence à des souvenirs d’enfance, elle utilise des photographies et des photocopies de son visage pour réaliser les plaques. Des empreintes de toutes sortes, fleurs dessinées et des symboles enrichissent l’ensemble. La notion d’apparition et le refus d’un classement systématique, perturbent notre regard trop cartésien.

  Kiki Smith, alchimiste, expose l’hybridation inattendue de Born (2002) : une sculpture en bronze sombre montrant une biche donnant naissance à une femme adulte. Cette relecture écologique du mythe d’Artémis ouvre sur des relations transformées entre l’être humain et l’animal. Elle montre la possibilité radicale de mondes qui se mêlent, dans les récits et les mythologies, pour aboutir à une continuité plutôt qu’à une confrontation. Œuvre extrêmement symbolique, elle nous place hors du territoire de la prédation (Diane chasseresse) pour entrer dans celui de la transmission et de la préparation à un monde radicalement nouveau.

 

Kiki Smith, Silver Vein Arm, 1992. Bronze et argent. Courtesy Pace Gallery, New York. (c) Kiki Smith

  Kiki Smith, parfois catholique, propose d’un côté Fallen (2019), représentation stylisée en bronze d’un corps du Christ tombé, d’après une peinture brésilienne du 18^ème siècle. De l’autre, Annunciation (2008), un bronze très singulier, où un personnage de grande taille reprend la pose de la Vierge Marie, mais en costume d’homme. Représentée d’après une amie de l’artiste, cette nouvelle figure androgyne brouille les pistes et en ouvre de nouvelles. Une sorte de résurrection des corps qui ne nous demande pas notre avis.

  Kiki Smith, medicine woman, présente  Nervous Giants (1987), des dessins sur mousseline montrant des systèmes nerveux. L’inspiration provient directement de véritables planches anatomiques, dont celles de Henry Gray. Elle conduit son exploration interne jusqu’à la peau, donc jusqu’à l’extérieur. Cette cosmologie très intime ouvre, là encore, de nouveaux horizons. La sculpture Silver Vein Arm (1992), en bronze, montre là encore, une circulation, sur un membre tronqué, en arrêt dans le temps. La Faculté de Médecine de Montpellier a prêté d’autres représentations de fragments du corps, datant de la fin du 19^ème siècle et du début du 20^ème siècle pour créer une esthétique médicale et mémorielle

Kiki Smith, Black Madonna,1992. Bronze. Collection Villa Datris. (c) Kiki Smith

 Kiki Smith, déesse-mère, prophétesse, philosophe, équilibriste, etc. joue tous les rôles. Pour conclure, une de ses citations, de 1994 : « I always think the whole history of the world is in your body » [Je pense toujours que toute l’histoire du monde est dans notre corps]. Et nous pourrions ajouter que nous sommes peut-être des enfants des étoiles.

 

                                                                                                                          Christian Skimao

 

 

 

Expositions d'été (Shilpa Gupta, Jumana Manna, Geumyhung Jeong, Kim Gordon), Collection Lambert, Avignon, 2026

 

Expositions d’été 2026

Le murmure des Libres avec Shilpa Gupta, Jumana Manna, Geumyhung Jeong

Stories for a body de Kim Gordon

En attendant ton retour de Melika Saheghzadeh

Collection Lambert, Avignon

Du 24 mai au 20 septembre 2026

 

 

Jumana Manna, installation, vue partielle, Collection Lambert, 2026

 

            Femmes au bord de la crise de civilisations

 

 Une trilogie féminine « murmure » et balaye des zones géographiques allant, pour nous Européens, du Proche-Orient (Jumana Manna, palestinienne), à l’Extrême Orient (Geumyhung Jeong, coréenne), en passant par le sous-continent le plus peuplé du monde (Shilpa Gupta indienne). Un autre périple se poursuit vers l’Ouest avec Kim Gordon (américaine).

 

   Jumana Manna propose des constructions en céramique sur des grillages reposant sur des parpaings en cours d’effritement, Family, série Cache (2022). Ces formes, plus ou moins polymorphes, travaillées de façon très sensuelle, cuites au four et recouvertes de tadelakt s’inscrivent dans un rapport entre le bâtiment et la famille. À l’origine, l’artiste questionne la khabya, une méthode traditionnelle de conservation des grains dans les maisons. Des morceaux de pain, factices, de toutes origines, agonisent doucement, se couvrant de fausse moisissure et présentant un aspect de décomposition. Cette symbolique d’un monde en fragmentation se retrouve aussi dans le film Foragers, qui met en lumière les tensions entre modernité et tradition, sur fond de luttes entre deux communautés, pour la terre et ses produits, ici le za’atar (thym) et l’akkoub (artichaut) sur le plateau du Golan.

 

Shilpa Gupta, installation, vue partielle, Collection Lambert, 2026

 Shilpa Gupta propose, d’un côté, une série de dessins représentant des forces de l’ordre de divers pays, sans qu’il soit possible de les reconnaître exactement, en train d’embarquer des manifestants. Ces derniers disparaissent aussitôt de la scène, formes vides, qui participent à leur invisibilisation. Ce procédé simple et redoutablement efficace, nous prépare à l’installation Listening Air. Des microphones, suspendus au plafond, se transforment en haut-parleurs qui diffusant des chants de résistance de différents pays. Une chanson, d’après un poème de Faiz Ahmed Faiz, poète pakistanais, en ourdou se trouve également chantée en hindi, en Inde. Nous sommes surpris de reconnaître Bella Ciao, chant des repiqueuses de riz de la plaine du Pô, devenu hymne des partisans italiens pendant la guerre civile italienne de 1943 à 1945 et la fin de la Seconde Guerre mondiale. Par la suite, la jeunesse occidentale l’a continuellement repris lors des manifestations. Dans cette obscurité complice, faiblement éclairée, les voix du monde redonnent espoir.

 

Geumyhung Jeong, installation, vue partielle, Collection Lambert, 2026

  À l’étage, Geumyhung Jeong occupe l’ensemble avec des tables de dissection, si j’ose dire, avec des reproductions d’os humains et des mécaniques robotiques, parfois mêlées au sol. Intitulée Under Construction, cette vaste installation propose donc une hybridation impressionnante. Un atelier et de nombreux écrans de contrôle offrent un cadre évolutif et se prêtent à de possibles performances où l’artiste remplit divers rôles : celui du savant fou, de l’ingénieur sachant, de l’artiste maudit ou encore de la danseuse du futur. Un ballet de possibles où même l’échec offre un renouveau poétique pour le public.

 

Kim Gordon, installation, vue partielle, Collection Lambert, 2026

  La grande Kim Gordon, artiste historique, a été membre fondatrice du groupe Sonic Youth, plasticienne, performeuse, critique, etc. et occupe la totalité des salles du sous-sol. Dix années de productions récentes s’y trouvent : des peintures-manifestes sur toiles, au mur ou par terre, The Promise of Originality (2010), des gestuels réalisés à même le mur, un amoncellement d’écrans mimant un bûcher, The Bonfire (2019), des peintures référencées , Lay Down Thy Limbs (2019) et d’autres vidéos à voir dans le cadre d’une démonstration plastique avec guitare, Jeanetta and Alex (2026). L’ensemble nécessite de se laisser happer par toutes ces facettes qui montrent un monde déboussolé et kaléidoscopique. De petits buissons verts, en plastique, délicieusement horribles, ponctuent la visite, allusion à la pseudo-nature présente dans les malls américains.

 

Melika Saheghzadeh, installation, Collection Lambert, 2026

  Pour conclure, la création d’un espace nommé « Antichambre de l’été », coup de projecteur sur de jeunes artistes locaux : Melika Saheghzadeh avec En attendant ton retour. Iranienne, elle présente, autour d’une thématique de l’habitation, une association entre des grenades blanches en plâtre, certaines fracassées et posées au sol, et 80 gabarits d’ébénisterie, en suspension, accompagnés de poèmes de l’artiste. L’ensemble flirte entre mélancolie et puissance des contes.

 

                                                                                                                               Christian Skimao

 

 

Exposition Robert Combas, Pont du Gard, 2026

 

Exposition Robert Combas

Guerre et Paix

Pont du Gard (espace d’exposition Rive gauche)

Du 29 mai au 1^er novembre 2026

 

 

Robert Combas, Combat naïf de gladiateurs narbonnais à l'époque des Romains, 2024. (c) Combas

                   Si vis pacem, para bellum

 

« Si tu veux la paix, prépare la guerre », autant démarrer avec cette incontournable maxime latine, au sens plus subtil qu’il n’y paraît. La référence au volumineux roman de Tolstoï, Guerre et Paix ne doit pas cacher une sorte de complémentarité intime et historique. En peinture, les images liées à la guerre paraissent plus spectaculaires que celles liées à la paix. Un autre exemple concerne le Jardin des délices de Jerôme Bosch, où la représentation de l’Enfer, panneau de droite, est plus excitante visuellement que la Création, panneau de gauche. Revenons à Robert Combas, ici peintre des mythologies grecques et romaines, avec un maelström de couleurs, mais aussi de savantes combinaisons en noir et blanc. La Figuration Libre semble à la fois lointaine et si proche. Elle se trouve peu à peu reconstituée pour l’histoire de l’art et déclinée pour le marché.

 

  Dans la pénombre de la salle d’exposition du Pont du Gard, sorte de caverne néoplatonicienne, se trouve une œuvre de grande taille, La Guerre de Troie (240 x 896 cm) de 1988. Immanquablement, elle convoque un genre, à première vue, bien éloigné de Combas, la peinture d’Histoire, qui fut incontournable du 17^ème au 19^ème  siècle en Occident. En la reprenant à son compte, tout en y introduisant une forte dose de pop culture et de bande dessinée, il en dynamite les codes, tout en conservant la puissance narrative du genre. Tout est faux et tout est exact. Les références cinématographiques et télévisuelles se mélangent à l’envie créant ce style si particulier qui a démarré pour lui dans les années 1980. Avec des titres comme Joli spectacle équestre (1987) , Le contournement de Sète par Hannibal (2000) ou Combat naïf de gladiateurs narbonnais à l’époque des Romains (2024), l’artiste opte pour une approche très picturale où les personnages se trouvent envahis par le motif, en une interaction singulière. Cette spécificité de Combas propose donc un champ de lecture très éloigné d’un art brut ou naïf. Le soin apporté à la construction picturale favorise un rapport de tension, d’où pointe parfois une possible abstraction. En revenant à l’Histoire, remarquons que l’artiste propose surtout ses histoires, par le biais des titres se trouvant sur le cartel d’accompagnement. Souvent très longs, assez éloquents, parfois quelque peu obscurs, ils nous entraînent dans une nouvelle dimension, celle d’un long récit où se mélangent époques, références, évidences, mensonges, récits privés et  homériques.

 

Robert Combas, Réflexion et détermination, 2014. (c) Combas

  Pour retrouver la paix, après ce fort tumulte des egos (des Goths ?), vient en contrepoint la série des « Tatouages académiques » qui prend place dans une partie spécifique du lieu. L’utilisation du noir et blanc propose une autre démarche, consistant à absorber la tradition du dessin pour la révéler différemment. Apparaissent des personnages célèbres, grecs et romains, comme Alexandre le Grand, Brutus, Caracalla, Démosthène, mais aussi des anonymes avec Un Romain que je ne sais pas qui c’est ? (2019) ou des bustes de femmes comme Sexy Stature lunaire sans ligne et sans bras (2004). Ces relectures qui s’imposent comme un travail de passation plus ou moins surréaliste (une certaine Vénus de Milo au Louvre se trouve réutilisée) rencontrent des œuvres comme L’homme cheval (2007) qui fonctionne de façon historique et actuelle, aboutissant à la mise en place d’une mythologie contemporaine propre à Combas. Le jeu de mots demeure omniprésent, fonctionnant avec le jeu de formes, l’ensemble devenant un jeu de dames et/ou de dupes.

 

Robert Combas, L'Autiste dans la forêt de fleurs, 1991, expo Pont du Gard, 2026

  Une œuvre fort étrange, difficile à classer dans la dichotomie annoncée dans le titre de cette monstration : L’Autiste dans la forêt de fleurs (1991). Cette peinture, apaisante, de grand format (216 x 518 cm) montre un personnage perdu dans une masse colorée de plantes et de fleurs où prédominent coulées verticales et explosions florales plus ou moins réalistes. Le texte d’accompagnement, très poétique, bien qu’assez tragique, propose un monde différent où règne l’imaginaire et semble très proche de l’univers d’Henri Rousseau dit « Le Douanier ». Et pourquoi ne pas conclure sur une cette étonnante interrogation ?

 

                                                                                                                                                         Christian Skimao

 

 

Mea culpa : je suis de la génération de Robert Combas. Futur jeune critique, arrivé à Montpellier fin 1979, j’étais présent au vernissage de la première exposition de notre artiste à la galerie Errata (tenue conjointement par Marc Aurelle et Christian Laune) en mai 1980. Or je n’avais jamais écrit sur ses peintures en raison de certains aprioris. J’ai donc eu tort et comme le tort tue, je préfère rester vivant en me rattrapant ici même.

 

Exposition SUSPECTS, Fondation Vincent Van Gogh, Arles, 2026

 

Exposition SUSPECTS

Van Gogh, Trickster and Co.

Avec Leigh Bowery, Anna Byskov, Ellen Cantor, Luciano Castelli, Maurizio Cattelan, Nina Childress, Lucien Clergue, Mathis Collins, Clément Courgeon, dit Triboulet, Gino de Dominicis, Robert Filliou, Fergus Greer, Cameron Jamie, Mike Kelley, Martin Kippenberger, Nick Knight, Arnaud Labelle-Rojoux, Maria Lassnig, Mire Lee, Jacques Lizène, Sarah Lucas, Urs Lüthi, Christopher Makos, Pierre Molinier, Bruce Nauman, Philippe Perrot, Pablo Picasso, Salomé, Cindy Sherman, Walter Swennen, Andy Warhol, Vincent van Gogh

Fondation Vincent Van Gogh, Arles

Du 22 mai au 18 octobre 2026

 

 

Martin Kippenberger, Heavy Lad (vue partielle), 1991, exposition FVVG, Arles, 2026

 

    Artistes non coupables dans un hachoir disert

 

 

  Le « trickster » est un personnage qui bouscule l’ordre établi en le déréglant plus ou moins. Ce sous-titre de l’exposition le rend « suspect » aux yeux de la bonne société. Rien de mieux que la présentation de la pétition originale de certains habitants de la ville d’Arles pour demander l’« extradition » d’un certain  Vincent, disons sa mise à l’écart et son internement… en janvier 1889. Coup de blues à l’Office du Tourisme de l’époque qui bien sûr n’existait pas encore. Entre toutes ces œuvres, s’établissent des correspondances, parfois féroces, parfois ludiques, souvent grinçantes.

 

  En majesté, Martin Kippenberger, avec son installation Heavy Burschi (« Heavy Lad ») de 1991. L’artiste fait réaliser par son assistant, Merlin Carpenter, 51 oeuvres d’après des réalisations antérieures. Les trouvant « trop bien » réalisées, il les fait photographier, puis les détruit et met les morceaux « originaux » dans une benne à ordures. On se trouve donc en présence d’un simulacre à plusieurs niveaux, l’original n’existant que dans le cadre d’une mise en scène. Il y a aussi l’élégance vénéneuse de Luciano Castelli avec Goldenne Schallplate (« Disque d’or » ) de 1974 où il apparaît le corps recouvert d’or. Sa collaboration avec Salomé le conduit, dans l’underground berlinois de la fin des années 1970 au début des années 1980, à des collaborations picturales dont The Bitch and Her Dog (« La pute et son chien »), reprenant leur performance de Lyon en 1981, où Salomé, costumé en geisha, promène son chien interprété par Castelli à quatre pattes. Toute une époque… sans oublier des rapports de travail avec l’illustre Pierre Molinier.

 

Castelli et Salomé, Berlin Night, 1979, exposition FVVG, Arles, 2026

   La figure du clown triste, développée par Urs Lüthi de façon superbe, et même crépusculaire avec The Champion III de 1976 se trouve parfois supplantée par celle du clown agressif : Bruce Nauman avec les deux vidéos Clown Torture (I’m Sorry et No, No, No) de 1987 ou bien l’approche trash de Clément Courgeon, dit Triboulet avec Triboulet catch the broom de 2023. Heureusement, circule un peu d’air, avec les vidéos disséminées d’Anna Byskov qui joue avec les dysfonctionnements de notre société comme L’escalier de 2007, où elle grimpe sur un mini-escalier de papier qui s’effondre, ou encore et sa désopilante et gênante vidéo Culotte 1 de 2010 où elle ne cesse de remonter sa jupe, mais les apparences s’avèrent trompeuses.

Maurizio Cattellan, installation You, 2021, exposition FVVG, Arles, 2026

 

  La grande Maria Lassnig, vue l’an dernier à la LUMA, et ses portraits colorés et explosifs, l’indomptable Nina Childress avec son Autoportrait au slip de 2012 ; Sarah Lucas, ressurgie du groupe des Young British Artists avec son Autoportrait aux œufs au plat de 1996 ou ses amas de seins et de jambes avec Titti Doris de 2017 ; Cindy Sherman en vierge cathodique déjantée, cubique et baroque, photo argentique de 2023. Des Picasso hurleurs mènent une sarabande alors qu’un Van Gogh des plus étranges, un crâne avec une cigarette entre les dents jauge l’ensemble. N’oublions pas la peinture remarquable de Walter Swennen et son Bras d’honneur infini de 2003. Enfin, la redécouverte de l’œuvre de Jacques Lizène (1946-2021) qui essaye de sourire et de souscrire aux choses insignifiantes accompagné du référent incontournable que représente Robert Fillliou (1926-1987), né à Sauve dans le Gard. Une autre star qui dérange, Maurizio Cattelan, regroupe tous les styles. Tragique avec son pendu avec fleurs, You de 2021 ; souriant avec les plaintes d’un couple invisible de souris à hauteur de plinthe ; métaphysique avec sa légendaire banane scotchée, Comedian (2019), ayant déclenché comme souvent un torrent de polémiques.

 

   Pour conclure provisoirement, notons que de nombreuses réalisations retrouvent une place de choix dans notre amnésie esthétique. L’éternel retour d’une contemporanéité toujours en train de reverdir.

 

                                                                                                                                                         Christian Skimao

 

 

  

 

 

 

 

 

"Art et Nature", avec Augade, Caruel, Fulda, Bambouseraie, 2026

 

Exposition Art & Nature, dans le cadre des 170 ans de l'institution (1856-2026)

Avec Simon Augade, Ursula Caruel, Constance Fulda

La Bambouseraie-en-Cévennes (près d'Anduze)

Saison 2026

Présentation générale extraite des Carnets d’artistes 2026 

 

 

                                       Brelan d’as

 

 

 

  À l’occasion des festivités des 170 ans de la naissance de la Bambouseraie (1856-2026), trois œuvres réalisées par trois artistes, par ordre alphabétique, Simon Augade, Ursula Caruel, Constance Fulda prennent place dans différents lieux du jardin. Deux créations, celles d’Augagade et de Fulda, interrogent l’arbre dans son sens le plus large, l’autre, celle de Caruel, questionne le bambou dans des fonctionnalités inattendues.

 

Simon Augade, Greffe charpentière, Bambouseraie, 2026

   Simon Augade, avec Greffe charpentière, construit une œuvre monumentale qui joue avec les codes de la construction réparatrice, tout en repensant les rapports entre art et nature. Sa « greffe », liée au savoir-faire de l’horticulture, n’en est pas vraiment une. Sa construction sinueuse, part du sol et s’arrête avant la plaie du magnolia. Il répare en tant qu’artiste et nous invite à considérer son installation comme une aventure épique. Peu à peu, il imbrique des tuiles de bois de conifères sur un squelette de soutènement pour bâtir une sorte de carapace géante, renvoyant à la fois au végétal et à une animalité fantasmatique, par le biais d’une allusion au glyptodon du Néogène. L’apparente réalité du savoir-faire conduit à un voyage imaginaire d’où émerge un questionnement philosophique pour celui ou celle qui regarde. La grande construction en poutres fait pleinement partie de l’œuvre : d’un côté, elle révèle des réalités structurantes, de l’autre, elle affirme la puissance de cette scène théâtrale.

 

Ursula Caruel, La terre est notre maison, Bambouseraie, 2026

   Ursula Caruel propose un tapis végétal constitué de différents motifs en bambou qui utilise les proportions du nombre d’or sous l’intitulé La terre est notre maison. Cette intéressante transposition entre le tissé et le végétal crée un effet de surprise. Se référant aux fleurs présentes dans la Bambouseraie, elle les réinterprète de façon géométrique, jouant sur les tailles et les couleurs des bambous, prélevés durant l’hiver qui a précédé la réalisation. Le résultat, tout à fait remarquable, permet de renouer avec les traditions liées à l’usage du tapis, qui crée un point d’ancrage temporaire pour les anciens peuples nomades, permettant de retrouver à chaque halte un espace familier. Son œuvre, élaborée ligne par ligne, spécifiquement pour la Bambouseraie, est une création emblématique, unique et évolutive. L’intérieur et l’extérieur se chevauchent, créant un trouble dans la perception d’une création chatoyante où la rigueur apparente dissimule une grande poésie.

 

Constance Fulda, Calligraphie, Bambouseraie, 2026

 Constance Fulda réalise des empreintes des écorces d’arbres depuis des années. Elle a sélectionné onze arbres remarquables (chêne pédonculé, tulipier, cyprès de Lawson, marronnier, platane, séquoia, etc.) dans la Bambouseraie, puis a réalisé des frottages sur des papiers japonais appliqués contre l’écorce. La mise en espace d’une sculpture en cercle, sobrement nommée Calligraphie, permet une construction en douze éléments (la dernière stèle portant le titre) pouvant faire référence à Stonehenge, avec les réserves historiques d’usage, tout en conservant en mémoire le fort attrait pour ce cercle mégalithique. Ses gestes-écritures laissent entrevoir un nouvel alphabet, plastique et immémorial, ouvrant sur une perception autre de la dimension arboricole. Que contiennent donc ces mystérieux tracés et quelles relations entretiennent-ils avec nous ? Pourquoi pas une dimension magique, puisque chaque empreinte de chaque arbre est une carte d’identité, mais aussi un conte d’identité.

 

  La mise en évidence d’un rhizome référentiel, à la fois réel pour le bambou et métaphore deleuzienne incontournable, semble tisser un lien entre les trois artistes. Ursula Caruel a opté pour ce lien tout en convoquant le kilim, les tapisseries du Moyen Âge et le travail de Dom Robert, en se rapprochant ici des problématiques géométriques du Bauhaus. En 2024, Simon Augade a exposé en compagnie d’Alexandre Hollan au Château La Dournie à Saint-Chinian tandis que Constance Fulda met en avant sa relation avec l’œuvre picturale du maître des arbres, sans oublier l’approche écologique de Keiko Miyamori. Enfin, l’Arte Povera irrigue l’ensemble, l’intervention artisanale de chaque artiste interrogeant la valeur de son geste.

 

 

                                                                                                                                                   Christian Skimao

 

 

Exposition Julien Prévieux, Grenier à sel, Avignon, 2026

 

Exposition Julien Prévieux

Des raisonnements déraisonnables

Grenier à sel, Avignon

Du 18 avril au 27 juin 2026

 

 

Julien Prévieux, Des reliquats d'attention, exposition Avignon, 2026

 

                           Propositions plus ou moins honnêtes

 

  Julien Prévieux nous propose une exposition qualifiable de conceptuelle qui dissèque les enjeux des logiciels qui pensent et commettent (souvent ?) des erreurs. Ces « hallucinations » commises par l’IA peuvent à la fois faire sourire, attrister, nous consterner et à la fin nous faire confondre la vérité et son contraire (l’autre vérité, qualifiable d’alternative). Comme énoncé par Emily Bender en 2025 : « L’IA est un perroquet stochastique sans faculté de raisonnement ». Ainsi ces modèles donnent des réponses plausibles sans garantir leur validité logique. L’artiste met en scène ces problèmes éthiques et philosophiques par le biais de graphiques, de vers inexacts, de divers plateaux de jeux, comme des tours de Hanoï incomplètes et de multiples parties d’échecs, comprenant plusieurs dames, ou seulement des rois, ou encore d'autres impossibilités. Cette oeuvre de 2026, Des reliquats d’attention possède une grande force de persuasion jointe à pas mal d’humour.

 

Julien Prévieux, Pour Lana, vue partielle, expostion Avignon, 2026

  Une autre installation, Pour Lana, utilise des panneaux en contreplaqué sérigraphiés qui composent des poèmes visuels écrits en Yerkish, langue utilisée pour dialoguer avec les grands singes. En 1971, Lana, chimpanzé femelle, parvient à en retenir un grand nombre pour obtenir de la nourriture, par exemple, allant même jusqu’à inventer de nouvelles combinaisons. Prévieux va les utiliser à son tour pour composer des poèmes « humains » tout en jouant sur la plastique des couleurs et des symboles. Une véritable tapisserie surprend également, Carte figurative et approximative des flux, commandée par la CNIL (Commission nationale de l’informatique et des libertés), réalisée par la Manufacture nationale de Beauvais, et achevée en 2021. Ce qui ressemble un peu à un gag, repose sur une transposition hardie de textes de délibérations, de mots-clés, de contrôles effectués et de plaintes déposées, etc. L’abstraction visuelle le dispute au constituant immatériel, tout en mettant en avant une fabrication véritablement artisanale, aboutissant à un fort beau résultat plastique. Dynamique de l’erreur (Prime) de 2022, fonctionne avec des traceurs qui créent des dessins sur papier sur le principe de la chute. Les variations, plus ou moins exactes, de ces corps qui tombent, ou du moins leurs ondes conservées, se réfèrent aux chronophotographies de Marey et de Muybridge, à Buster Keaton et aux variations duchampiennes d’un certain Nu descendant l’escalier. Le tout possède, dans son imperfection même, une très forte puissance formelle.

  Enfin deux vidéos, une au rez-de-chaussée et l’autre l’étage critiquent le système. La première Anomalies construites de 2011 montre des images d’écran avec une absence totale de personnes humaines devant les écrans, car désormais tout s’effectue derrière eux. La tension entre travail camouflé et loisir créatif se déroule en voix off, à la fois ludique et désemparée, avec deux narrateurs. Comme le dit l’artiste : « La machine n’amuse pas l’homme, elle s’amuse de l’homme ». La seconde, Codex Spatium de 2024, explore les multiples dimensions du droit spatial, entre jeu et interrogations sur les enjeux géopolitiques.

 

                                                                                                                                                   Christian Skimao